『決戦は日曜日』（22）でご一緒したプロデューサーの方に声をかけていただき、当時、“ブラック校則”がニュースを騒がせていたので、“校則”を題材にすることになったのですが、具体的に何か物語を思いついていたわけでもなく。そこから、海外の学生が制服を自由に選べるように抗議するため、男の子たちがスカートを履いて登校したというネットニュースを思い出し、日本の生徒たちがこのようなことを起こしてきたら…というところから物語が膨らんでいきました。とはいえ、制服に関しては日本では選べる学校が出てきているので、制服の他に厳しい校則といえば頭髪だと思い、思い切って「生徒みんなが金髪にしてきたらビジュアル的にもインパクトがあるのでは」と物語の骨格が生まれていきました。

僕が映画を作るときはエンタメ性のある作品を作りたいと思っているんです。そしてエンタメ性のある作品と考えたとき、大事にしたいのはキャラクターが魅力的かどうか。誰かと出会うことで悪い人からいい人に成長したり、何かに気づいたり…とキャラクターたちの変化がシナリオの軸になっていくと多くの人に受け入れやすいのではないかと考えていて。そういう意味でも本作はいろんな考えを持って“校則”によって右往左往する人々がたくさん出てきます。

実は物語の骨格が生まれた後、教師と中学校を管轄している教育委員会の職員、さらに上の存在である文科省の職員がそれぞれの立場で右往左往する群像劇を想定していたんです。ただそれだとあまり面白い物語ができず…。そこで思い切って1人の教師を掘り下げていこうとなって、市川という人物が生まれました。普通のいい教師が金髪の生徒を対応するより、何かしら毒を持った人物の方が面白いんじゃないかとなり、いい人ぶっているけれど心の中で「金髪になんかするなよ。面倒くさいだろ」みたいなスタンスのキャラクターが日本的で魅力的な気がして。そして生徒側から描くより教師側から描いた方が皮肉なコメディ色が強くなるのではないかと、市川が主人公になっていきました。

それもありますし、最初は群像劇バージョンから今の形にするのにも何度も改訂していて。あとは並行して取材を重ねていたのでそれもプラスされ、かなりの改訂数になっています（笑）。

先輩たちからは好かれていてそれを自覚している人物で、心の中では今回の騒動も面倒くさいと思っている、といったことは伝えたような気がします。あと今回からですが、シナリオにさまざまな説明を足すように変えました。通常、日本のシナリオは感情や過去の経歴といった映らないことはあまり書かないみたいなことが多いのですが、海外は意外といろんなことが書いてあると聞いて、書いちゃおうかなと（笑）。このとき心の中ではこう思っています、この先生は働いて何年目で何の科目を担当しています…みたいな情報をシナリオに書いて、キャラクターの説明を共有することにしました。僕自身、口下手な方で現場でも口数が少ないのでそれをカバーしようという狙いもあるのですが。

ロケ場所を探すときに、アパートの部屋という文字だけだと探しにくいですが、埼玉県にある築浅の1LDKで…など書いてあると取っかかりがあるようで、難しくても「逆にこういうのはどうですか」みたいな判断を速くいただけるのはラクでした。ただ俳優さんにとってはどうなのかはわからないですが。とはいえ岩田さんのお芝居を見ていると書いていたことが具体化され、さらにそれをお芝居で超えてきてくださったので、よかったなと思っています。

基本、セリフがある人たちはオーディションです。まず校則に疑問を持っている板緑役をオーディションし、白鳥玉季さんが決まった後に他の生徒たちを決めていって。演技力を見せていただきました。

単体で考えるより、誰かと話すことで個性を出したいと考えました。特に今回の映画は基本2人で1ペアのシーンが多く、やり取りで面白さを引き出したいと考えていました。そのため、こういうキャラクターだとこういうことを言うよねということを大事にしていて。板緑だと、中学生なのに大人びたことを言っているのが面白いので、市川とのやり取りであえて大人が言うようなセリフを割り当てたり、逆に市川には粗が見えるセリフを当てたりしています。ただ議論に関してはあまり言葉上ではキャラクターが出てこないので、そこはキャラクターをうまく見せる人やそのセリフを言っていても違和感がない雰囲気を持っている人を選んでいます。

心の中で思っていることをそのまま語るのではなく、誰かに向かって話しかけているという設定にすることでクスッと笑えたりするんですよ。これは『トレインスポッティング』（96）や『ファイト・クラブ』（99）などでも見られる手法ですが、このことによりユーモラスに見えていると思います。

面白いものを作ることに関しては一緒ですが、原作モノはなんでもかんでも原作から変えていいものではないと思います。今回みたいに途中から群像劇から1人語りの作品にすることはあまりない気がします。そのため、原作モノはこのような方針で脚色するといった大まかな形やコンセプトが最初から見えている必要があると思います。逆にオリジナルは変幻自在で余白があるというか。だからいかようにもできる難しさみたいなものもありますが。ただどちらも自分が面白いと感じるかを大切にしていることには違いないです。

こだわっているというわけではなく、原作モノの話が単純に来なかっただけなんです（笑）。オリジナルの依頼があることはうれしいのですが。原作モノもオリジナルもそれぞれの作る上での楽しみ方はあるので、それは今後も楽しみながら作っていきたいです。

10代のころ好きだった作品に『マルコヴィッチの穴』（99）や『エターナル・サンシャイン』（04）があるのですが、どちらもチャーリー・カウフマンが脚本を担当しているんです。僕はカウフマンのことが好きで一時期、彼の作品を追いかけて作品を観ていて。少しひねくれた設定を描くのが上手で、そこに憧れていたので、きっと僕の作風もどこかシニカルなんだと思います。ただカウフマンと同じくらい、10代のころはピクサー作品も大好きで（笑）。ピクサーとチャーリー・カウフマンの合わせ技のような作風になっているんじゃないかと思います。

大阪芸術大学出身で、1年生で実習を取るのですが、そのときから監督以外の選択肢は頭になかったです。とはいえ、いろんなものを作ってはあまりウケないの繰り返しでした。そんな中、東京藝術大学の大学院に進学して、やっと納得できる作品を制作していったので、監督らしくなったのは大学院に行ってからのような気がします。

周りの学生が制作した映画を観ていると、人間関係をメインに描いた身近な世界の作品が多かったんですよ。そういう作風で撮っていても頭一つ出るのは難しいと考え、あえて私生活を描かず働いている様子がメインの映画を作り、差別化を図ったんです。これは当時の浅い考えなんですが、やはりライバルが少ない方がうまくいくんじゃないかと。なのでそのころは、一人暮らしの部屋や居酒屋といった学生映画によく出てくるシーンはなるべく撮らないように意識して作っていました。まぁ今ではこだわらずにそういったシーンも撮影しているのですが（笑）。

どちらの作風も好きというのは大前提なんですが、ニッチとまではいかないけれど、あまりみんなが選んでいない作風のほうがいいのでは、という感じです。あと、監督を生業にしていくのなら、ということを考えながら仕事をしていて、そうやって突き進んで今があるという感じです。

どんな仕事に関してもそれを自分がやる意味があるのかを考えることが大事かなと思います。映像だと、最初のころはすごく安い賃金だけど仕事はちょこちょこあるんですよ。そのときは、我慢してやった方がいいのかな？と思っていたのですが、今考えたら別にやらなくていい仕事もあったと思っています。それをやったことで何も生まれていないというか。

よく若いころはイヤなこともやった方がいいと言われますが、必ずしもそうではないこともあるかなと思っています。そこに意味があるのか自分で見極める必要があると思っています。ちなみに僕は若いころ、少し不毛な仕事をしていて、そこには出会いもなければ発見もなかった。そういうのは時間がもったいないと思います。仕事を受けるとき、自分にとって何が得られるかを考えて動くのが大事なのではないでしょうか。