私自身、脚本を書くこともあるのですが、自分では絶対に書けないタイプの脚本だと思いました。岡田さんがこれまでワクワクする脚本をたくさん書かれてきているのが納得できるというか。さすがという印象ですね。そしてこの脚本を信じて監督をするのは面白そうだと思いました。

物語をどう盛り上げていくかなど、話のうねらせ方みたいな部分です。自分だったらここまでダイナミックで大胆にできないと感じる部分もたくさんあって。物語の中で何度もどんでん返しが起こるのですが、それも思ってもいなかった方向から来るなど、本当にあらゆる手を使って面白がらせてくるところです。もう面白さに貪欲なんですよ。とにかく次から次へといろんなことが起きるので。

各キャラクターが抱えているバックグラウンドはとても緻密に考えられている脚本だと思いました。その中で自分が関わるのは、演出の領域でどこまで人間ドラマとして表現できるかということは常に考えていました。脚本に書かれているキャラクターをどう魅力的に見せて、俳優たちとのやり取りでリアルに面白くしていくかが、自分が本作に携わる意味というか。なので、岡田さんはもちろん、皆さんと話し合ってキャラクターの描写は決めていったところもあります。

重岡くん自身も役についてノートにすごく書いていたらしく、自分なりにとても考えてきてくれていました。その上で話したのは、「どんな人物も矢印は一方向ではなく人によって接し方も見方も変わる」ということです。これは自分なりの人間らしさの表現の一つで、どの作品でも変えないようにしていることで。例えば、“航は妹のことをとても大切に思っている”ことは第一に表現すべきことだけど、同時に彼には妹以外の生活もあるんですよ。妹だけが彼の人生の全てではない。それはどのキャラクターも同じで。悪人ではあるけどある人から見ればいい人だったり、最終的にはかなり悪いことをするけど実は悲しい過去を持っていて同情できる…など、良い面もあれば悪い面もある、それが人間かなと。このことについては本作でも大事にしました。あと、殺害後、どのように日常を過ごしたのかとかも話し合いましたね。たとえ後ろめたいことやミスがあって、いつか誰かから怒られると思っていたとしても、いったんは普通にご飯を食べたりできるじゃないですか。人間ってそんなものなので、その感じを自然で演じられたらと。

納得してくれて丁寧に組み立ててくれました。人間らしく表現できていた気がします。それは原さんも同じで。過度に軽くする必要はないけど、ずっと深刻な表情であり続ける必要はないと。日常は日常として流れていくことを気配として出そうとしました。どんなことがあってもご飯は食べるし、日常は続いていくので。

あると思います。特にJホラー*といわれる幽霊などを扱う作品のときは、ある種のリアリティーがとても大事なんですよ。自分たちの日常の中にこういうことが起きるかもしれないと感じさせることなので。だから日常をさらっと描くようにしています。それはこの作品を作る上でも反映されていたような気がします。

*日本の文化や怪談をベースにした、目に見えない恐怖やじわじわと迫る心理的描写を特徴とするホラー作品。主な作品『リング』『呪怨』

絶対に現実世界ではないと信じさせないといけないと考えました。そのためにはゼロから空間を作り出す必要があるんですが、その際に参考にしたのが、デイヴィッド・リンチ*の世界観です。自分の引き出しの中にある面白い空間として彼の映画に出てくる世界があったので、そのイメージを伝えていました。実は私、結構デイヴィッド・リンチを参考にすることが多いんですよ。『ミッシング・チャイルド・ビデオテープ』のときは、夜の森を撮る際のライティングを参考にしたり。かなり大胆なことをしている監督なので参考になりますし、勇気づけられることも多いです。デイヴィッド・リンチでさえこういう撮り方をしているんだから、これくらい大胆にやっていいんだって。

*デイヴィッド・リンチ（1946～2025）アメリカ合衆国モンタナ州出身の映画監督、脚本家、プロデューサー、ミュージシャン、アーティスト、俳優。 主な作品に『イレイザーヘッド』『エレファント・マン』『ブルーベルベット』『ツイン・ピークス』など

これは時間がないという物理的な理由が大きいです。もちろん、デビュー作の『ミッシング・チャイルド・ビデオテープ』と比べたら予算も上がっていますし、撮影日数も倍以上あるのでかなり恵まれているのですが、実際に現場に入ってしまうと、こんなに時間がないんだと思いました。なので、的確に撮っていくことが大事で、自分のやり方としてはカット数を多くせずに撮るのがいいなと。なるべく一連で撮っていく方が自分としても撮りやすく、俳優の方々が演じる上でもリアリティーを感じやすいと思いますし。なので、演出上とタイムパフォーマンスとして考えた結果、ワンカットが多かったです。

撮影と公開までの時間があまりなかったということもあり、初めて編集のプロにお願いしました。最初につないだものを見せてもらったときは、感動しましたね。きちんと一本の映画になっているなと思って。もちろんその後、私やプロデューサーなどいろんな人の意見を聞きながら最終的に仕上げていったのですが、初見の時点で面白いと思えたのはうれしかったです。自分で編集をするとどうしても冗長になったり一連でやったことを見せたくなるのですが、バッサリ切ったり、思ってもいなかったところにこのカットを持ってくるか…！みたいな発見がたくさんあって。プロの編集のテクニックがふんだんに使われていました。最初撮っているときは130分くらいになるかと思っていたら107分になっていて、さすがだなと思いました。

私もそうですが、特に重岡くんがとにかくいろんな人と積極的にコミュニケーションを取る人で。共演者の方はもちろんですが、私や助監督などありとあらゆるスタッフの人と話していて。それが座長としてはもちろん、俳優としてすごく良い面で素晴らしいところだと思いました。コミュニケーションをとることで、それぞれが何を目指しているのかクリアになっていきますから。すごくやりやすい現場でした。

映画を観るようになったのは小学6年生のころです。もともと怖いもの好きだったのでホラー映画を見ようと親にレンタルビデオショップに連れていってもらって。そのとき見つけたのが『スクリーム』（1996）。パッケージが面白そうで借りたら、冒頭で『13日の金曜日』（1980）に関するクイズが出てくるんですよ。当時、見たことがなかったのですが、なんだかキーワードだけ知ったことで見た気になってしまって。自分の中で勝手な想像が膨らんでいき、ある日、夢でものすごく恐ろしい『13日の金曜日』を見て。それがあまりにも怖かったのでどんどんホラー作品を借りて観るようになっていきました。それからはサスペンスなどホラーに近似したジャンルに手を出していき……。あとは中学生のころ、映画好きという話をすると「この作品が面白いよ」みたいな情報交換が行われたりして、どんどん映画を観るようになっていきました。

昔から好きなものができるとやってみたくなるタイプで。漫画を読むようになったら漫画家になりたくなったり、小説家になりたくなったり……。なので映画を撮りたいと思うのも割と自然なことでありました。それが現実味を帯びたのは、『呪怨』（2003）を映画館に観に行ってパンフレットを買った時で。清水崇監督の通っていた学校として映画美学校という名前が出てきたんですよ。そこでこんな学校があるんだということを知りました。その後、黒沢清監督の作品を観るようになって黒沢監督について調べていたら、映画美学校の講師をやっていると出てきて、自分の中で映画美学校に行くというのが人生の中の一つ目標になっていきました。

映画はやっぱり面白いですよ。人と関わることが多いですが、一緒に何かを作る楽しさもありますし。頭の中で思い描いていた面白いことが形になる楽しさがありますから。もちろん、漫画や小説にもありますが自分だけ作るものではない。というのが大きい気がします。

私はなるべく何でも面白がろうと思っています。映画作品でも批評家っぽく感想を言っていた時期もありましたが、特に自分が映画を撮るようになってからは、「なんかつまらない」と批評する意味はあまりない気がしていて。基本的に映画は、誰かが面白いと思ったからつくられているわけで、もし失敗しているのならどこかでそれが伝わらなくなっているんですよ。なら、誰かが面白いと思ったところはどこなのかを探して面白がるほうがいいと思っています。そのためには面白いと感じ取れる引き出しは多めに持っておいた方がいい気がするんですよね。自分にとってあまり引っかかることではないにしても誰かにとっては面白いわけですし。面白がる感性を大切にした方が人生が豊かになると思います。

あと意外と全くやっていなかったことなどもやってみると参考になることもあります。こういう人いるよなとか、こういうシチュエーション面白いなっていう発見もありますから。作品に直接つながらなかったとしても参考になることは多いです。

AIは精巧にできていて、スピードも速いし、役に立つこともたくさんありますが、おそらく、唯一できないことは「決定」だと思います。決定するときは、その人の思いやこだわり、思考が絶対に入ってくるものなので。自分はこういうことをしたいという理屈じゃない思いはAIには取って変われない部分だと思います。思考することこそ、その人の個性ですから。それはどれだけAIが浸透してもあまり変わらないような気がします。