高校生の頃、SNS上で匿名のグループを作って短編小説を書いていて、その中に女の子2人の逃亡劇を描いた3行ぐらいの作品があって。僕は作者の顔も名前も知らなかったのですが、その物語はかなり現代性があってずっと気になっていました。ちょうどコロナ禍だったのですが、途中から更新されずどうもそれを書いていた子は亡くなってしまったという話も出てきて、友人から背中を押されて僕がその物語を引き継ぐことにしました。そしてその逃亡劇を基にして、コロナで失業する風俗嬢の女の子が過去の自分と出会って夜の歓楽街を逃げ回るという話にファンタジー要素を入れて1本の作品にしました。その後、虐待されていた女の子が家出して街を彷徨う中で愛を見つけていく物語をミニドラマにし、その次は以前から僕にとっては身近だったLGBTQ＋の問題を背景に入れつつ、バイセクシャルの男の子と貧困に苦しむ風俗嬢の女の子が2人で自殺するために逃亡する映画へと生まれ変わっていきました。この作品は『カクレクマノミ』というタイトルなのですが、内容はほぼ『東京逃避行』と同じです。高校の頃に出会った小説がどんどん形を変えて今の『東京逃避行』になっていきました。

原案を書いた女の子が歌舞伎町にいた子だったという話が以前からあって気になっていました。そして、ちょうどトー横問題（家庭や学校に居場所を失った若者が集まりトラブルに巻き込まれている社会問題）が騒がれ始め、原案を書いた女の子のことを知りたくなりました。つまり『東京逃避行』での日和（池田朱那）のモデルが原作者の彼女なのです。彼女のレイヤーだけを掘っていくことで『東京逃避行』の短編（第2回東京インディペンデント映画祭のグランプリ受賞作）が生まれていきました。

本作で、トー横の児童相談所で働くレイカを演じてくださった、さとうほなみさんと、短編で日和を演じてくださった橋口果林さんと一緒に、日和という人物はどのような女の子なのか、なぜトー横界隈にいるのかなどを話し合いながら、実際に歌舞伎町に住んだり取材を重ねて掘っていきました。スタート地点では何者か分からなかった日和に、最終的には長編にもつながるような物語や設定が生まれて、はっきりとした輪郭が見えてきました。日和のセリフだけではなくキャラクターもすべて橋口さんと一緒に作っていったという実感があります。

僕自身、役者としてほかの監督作品に出たりすることもあり、役者と一緒に脚本を作っていくスタイルを取っています。本作も同じです。短編同様、日和を演じた池田さんと一緒にトー横の子どもたちを保護している団体さんなどを取材して、実際の現場を見て何を感じたのかを一緒に話し合いました。これは全キャスト同様で、役に関わる部分は取材した内容を共有して資料をひたすら見てもらって、キャラクターたちが本当に生きているとしたらどう行動するのかを自分のことのように捉えてもらいました。そうすることで僕とはまた違った見え方が生まれて、セリフに深みが出てくるんですよ。そうやってできた脚本ですが、撮影当日は、「台本どおりではなく自由に演じて」と伝えています。基本、現場は俳優に任せています。ここまで一緒に作りあげてきたことを信じて、あくまでも俳優がやりたいことをやるのが、僕が考える“秋葉組”です。俳優に任せることで、“秋葉組”の現場こそ自分が一番輝ける場所だと思い、今できることをぶつけていい作品が生まれてくる。僕は作品が良ければ過程にはこだわっていません。

ラスト近くの飛鳥と日和が別れるシーンは台本とまったく違いますね。当日、池田さんに、「最後に『ありがとう』って言いたい」と言われたんですよ。理由は、罪悪感でいっぱいだけどそれを超えるぐらい感謝したい飛鳥への思いがあるので、「ありがとう」が言えない日和はダメかもと。僕はそれを聞いて池田さんがそう感じるなら最後のセリフは「ありがとう」が正解なんだろうと思い撮影しました。だから短編と本作は日和と飛鳥の歌舞伎町での別れのセリフが変わっています。

脚本は骨組みとして非常に大事なものです。ただ現場に行ったらやはり俳優を信用したいので俳優の意見が最優先になります。もちろん信用するまでには話し合いは事前にかなりやりこんでいますが…。正直、僕は現場でセリフを噛んでしまっても平気でOKを出すタイプなんです。なんならその方がよりリアルで人っぽいと考えていて。もちろん商業映画としてみると完璧さは大事かもしれないですが、それ以上にこの街に生きている人を描くとなったときに完璧さはそこまで必要ではないというか。それより、俳優がそのキャラクターそのものになっている方が大事だと思っています。

僕はいつも一つの街を舞台にして作品を作っています。というのも実は僕は街を決めないと脚本が書けないんですよ。人が街にいるからドラマが生まれるという考え方で脚本を書いているので。今回は歌舞伎町という東京のド真ん中の街を舞台に、孤独を抱えた人たちが集まる。そこにはどのようなドラマが向いているのか。調べていったら驚きましたね。歌舞伎町はあまりにもいろんな見え方がして。たとえば、東京の街でも下北沢や高円寺はカルチャーが集まる街と一本強いイメージみたいなものがあるんですが、歌舞伎町はカルチャーもありながら、アルコールもあるし風俗もあるし若者文化もあるし少し怖いものもある…。要素が多すぎるんですよ。でもそのぐちゃぐちゃになって言語化できないのが歌舞伎町で。とても不気味で、でも魅力的に映りました。

他の作品も撮りつつですが、日和を6年ぐらい撮っている感じで。まさかここまで描くとは思っていなかったです。ただ、歌舞伎町を舞台にその時代の若者たちが直面している問題を描いた逃亡劇を何年も描いていったら今のようになっていただけで。ただ今回はこれまでのように自分たちの仲間と私情で映画を撮っていたのと違い、新しいスタッフや大人の方々と一緒に長編を作りあげたことで僕の『東京逃避行』は何か一つ終わったような気持ちになりました。やれることをやったというか。これが商業の監督、プロになるということなのかな？と思いました。そしてここからは本作ができるまでに物語を紡ぐ力をくれた人たちを大事にして、もう一回、何か違う作品を作って新たな思い出を作っていきたいと思っています。

そもそも短編は、“YouTubeを何気なく見た人が大事にしてくれる作品”を目指していました。でも長編では、それだけではない、「なぜ今、この映画が必要なのか」をプラスしようとエグゼクティブプロデューサーの藤井さんに言われたんです。そこで、“観ることで何かを考えてもらうきっかけになる”という映画が本来持っている意義を味わえる作品にしないといけないと考えました。若者の居場所となっているトー横がなくなってしまったらどうやって若者が生きていくのかをベースにしながら、子どもが叫んでいるだけの映画ではダメで。大人の目線のパートとして、“親たちは子どもが歌舞伎町にいるときに何をしているのか”を描こうと自然に舵が取れた気がします。それにより短編では描けなかった日和の親や、エド（綱啓永）やメリオ（髙橋侃）といった歌舞伎町にいる大人にもフォーカスを当てることができました。