自主映画からアジアの未来へ。「Saravah」に込めた希望と、30代のリアル

東京国際映画祭「アジアの未来」部門に、日本人監督として唯一選出された鯨岡弘識（くじらおか ひろのり）監督。長編2本目となる『Saravah』は、30代の男女が抱える焦燥や承認欲求、友情、恋愛、そして創作への葛藤を、軽やかなユーモアと温かな視線で描き出した意欲作だ。

映像業界で10年を過ごした監督が、自身の経験や出会いをもとに生み出した本作では、監督・脚本・撮影・編集をすべて担った。鯨岡監督がタイトルに込めた思いや、印象的な音楽演出の裏側、友情に対する考え方、そして自主映画制作への思いまで話をうかがった。

「アジアの未来」選出は想像もしていなかった

――東京国際映画祭「アジアの未来」部門に選出された感想をお聞かせください。

本当にただただ驚いています。僕の中で東京国際映画祭の「アジアの未来」部門というのは、個性的で作家性があり、その中に明確なテーマを持った作品が選ばれる場所というイメージがありました。これまで選ばれてきた監督たちもそうですし、今回同部門に選ばれた作品にもそうした力を感じています。

今回はゼロから作り上げた自主映画でしたので、もちろん応募はしましたが、まさかこの舞台でワールドプレミアを迎えられるとは思っていませんでした。
だからこそ、こうして選んでいただけたことは本当に光栄ですし、長く自主制作を続けてきた人間としては、この上なくうれしい出来事でした。

――レッドカーペットはいかがでしたか。

主演の3人と一緒に歩かせていただいたのですが、全員が初めてのレッドカーペットだったんです。
特に主演の大友律さんはかなり緊張していて、最初は唇がまっ青になるほどで（笑）。その姿を見ているうちに、逆に僕たちの緊張もほぐれていきました。「新参者らしく、奇をてらわずに行こう」というのが僕らのテーマだったかな。オーソドックスにスーツやドレスで統一して楽しめたと思います。 

映像業界で過ごした10年が、『Saravah』の出発点になった

――この物語はどのような発想から生まれたのでしょうか。

僕は大学卒業後の2016年から映像業界に入り、一年目から監督を始めて、映画やドラマの現場で仕事をしてきました。そして気がつけば10年が経っていたんです。
その中で本当にさまざまな人と出会いました。尊敬できる人もいれば、ものすごくこじらせた人もいる（笑）。でも、そういう人たちがいるからこそ、この業界は面白いんだと思います。
毎年自主映画制作を続けてきましたが、10年一区切りで長編に挑戦しよう！と思いました。ゼロから脚本を書くにあたっては、これまで出会ったおもしろい人たちや実際に見てきた景色を材料にしながら、映像業界特有のネームバリューや匿名性といったものを描いてみたいと思って取り組みました。

――登場人物たちの人間関係は限定された世界で描かれていますね。

現実も案外そうだと思うんです。知り合いは何百人いても、不思議と同じ人に何度も会ったり、同じ人との間で何かが起きたりする。人生って意外とそういうものですよね。
僕自身もそういう体験をしてきましたし、「現実はフィクションを超える」と感じる瞬間は何度もありました。だから今回は、その偶然性を恐れずに描こうと思いました。限られた人間関係の中で起こる滑稽な人間模様こそが面白いんじゃないかと思ったんです。

――登場人物たちは皆30代前後ですが、この年代ならではの空気感も感じました。

30歳という年齢は、一つの狭間だと思います。20代は若手として走ってきたのに、だんだん中堅になっている。理想通りの人生を歩めている人もいれば、そうではない人もいる。いわゆるクォーターライフクライシスですよね。
僕自身も、想像していた30代の自分になれているかと言われると全然そんなことはありません。だからこそ、この年代特有の葛藤を描くことが一番等身大で説得力のある題材だと思いました。主演の3人もほぼ同年代なので、面白くなるんじゃないかなって。

「Saravah」に込めた、別れと希望

――タイトル『Saravah』にはどのような思いが込められているのでしょう。

もともとは「10年の節目」を描く物語にしたいと思っていました。そんな中で、高橋幸宏さんが語っていた「Saravah」という言葉（高橋ユキヒロの1枚目のソロ・スタジオ・アルバム“saravah!”）の由来がずっと頭の中に残っていたんです。それは単なる別れの言葉ではなく、奴隷として連れて来られた人々がお互いに投げかけた希望の言葉だったという話でした。そのエピソードを知った時、「別れの言葉でありながら希望の言葉でもある」という二面性に強く惹かれました。そして脚本を書き進める中で、「別れを告げられる関係性はむしろ美しいのではないか」と思うようになり、タイトルに採用しました。

――作品の終盤で『Saravah』の語源について語られる場面がありました。

あのスナックのシーンは、実は自分の中でも特別な場面なんです。撮影は夜遅くでしたし、キャストもスタッフも一日の仕事を終えて少し疲れていました。でも、その疲労感やどこか朦朧とした雰囲気が、あの場面には必要だった。食卓に並ぶ料理も実際に食べてから撮影を始めましたし、そういう時間経過だったりとか、ちょっとモラトリアムな時間を描くっていうのは、実はそこにリアリティが必要だなと思うんです。彼らが集中しながらも、あの空気感を楽しんでくれたからこそ、なんかちょっと変なシーンになったと思います。出演者たちは「あのシーンを演じた記憶があまりない」と言うのですが、それがかえって不思議なリアリティにつながった気がしています。僕自身もすごく気に入っているシーンです。

@ Saravah

音楽は登場人物の感情ではなく、未来へ進む推進力

――音楽やタイトルの出し方にも監督の音に対する強いこだわりを感じました。

そうですね。僕自身、高校生の頃からずっと音楽が好きで、今でもマスロックのバンドでベースを弾いていますし、映画音楽にもずっと魅力を感じてきました。
今回、キーとなったのは、楽曲を探している中でシャンソンの「愛の賛歌」がミスマッチみたいだけどハマるっていう感覚があって、この少し脱力した喜劇の中に置く面白さを感じました。普通なら感情を盛り上げるために使う音楽を、あえて少しズラした形で置くことで独特の味が出ると思ったんです。もし主人公の悩みに寄り添う音楽ばかり使っていたら、この作品はもっと沈んだトーンになっていたと思います。でも僕はこの映画を前向きな作品として作りたかった。だから音楽には、悩みを説明する役割ではなく、「日常は続いていくんだ」という推進力を持たせたかったんです。途中でタイトルが出る場面も、観客の感情を一度リセットし、時間の流れを感じさせるための演出でした。

――劇中の音楽で、監督が作曲された曲はありますか？

実は今回、劇中で流れる控えめなピアノ曲は自分で作りました。劇中で一曲だけピアノの曲が入るんですけど、サクラが走って、ハトちゃんから電話がかかってくるシーンと、彼らが車で下仁田に行くところ、あそこに微妙にピアノの曲が乗っていて。 主張のないピアノ曲を入れたかったので、それは自分で作りました。主張しすぎない楽曲が欲しかったので、自分でやってみました。自主映画なので予算面の事情もありますが（笑）、自分でできることは自分でやろうという気持ちもありましたね。

「作り続けること」が未来につながる

――監督ご自身にとって、「友達」とはどのような存在でしょうか。

単に仲が良いだけでは、意外と関係は続かないと思っています。友情の中には、嫉妬や、承認欲求、創作への欲望、恋愛感情など、いろんなものが入り混じっている。そういう複雑な感情を抱えながらも続いていく関係こそ、友達と呼べるのかもしれません。
今回、主人公を演じた徳永桜介さんとは10年以上の付き合いなんです。学生時代から自主映画に出演してもらい、脚本ができれば真っ先に読んでもらう。そうやって続いてきた関係が、今回の作品にも自然と反映されていると思います。ハトちゃん、サクラ、リクの3人も10年ぶりに会って、でもきっとこの後10年後も会っているんじゃないかなっていうのが僕の中のテーマだったんです。

 伊香保のロープウェイ　©Saravah

――伊香保のロープウェイや下仁田の川などロケーションも印象的でした。

実は群馬県でショートフィルムを制作したことがきっかけで、フィルムコミッションの方々とつながりができたんです。その流れで下仁田を訪れた際、「ここで映画を撮りたい」と思えた旅館と出会いました。
地元の皆さんも本当に協力的で、劇中に登場する柴犬も実は下仁田の看板犬なんです（笑）。土地との出会いが、この映画の着想の一つにもなりました。

@ Saravah
下仁田の看板犬・マロ @ Saravah

――最後に、映像業界を目指す若い世代にメッセージをお願いします。

今回こうして東京国際映画祭に参加できたのも、結局は自主制作を続けてきたからだと思っています。

好きなものをちゃんと好きと言うこと。そして作れることを少しずつ増やしていくこと。映画は一人では作れませんが、一緒に何かを作りたいと思える仲間は必ずいるはずです。僕自身も長い時間をかけて仲間たちと関係を築いてきて、その積み重ねが今回の長編映画につながりました。だからこそ、どんなに小さな作品でもいい。まずは作り続けてほしいですね。それが必ず次につながっていくと思います。

（photo&text:Kiyori Matsumoto）