私は自分きっかけで作品を撮るということはほとんどないんですよ。大体、「こういう作品を撮りませんか？」と発注がきて撮るという形で。今回もそうです。とはいえ、きたものを全て受けるのではなく、苦手なものは断るし、一緒に映画を作る仲間がいるので、そのメンバーに相談して「やりたい」という声があればお受けするという感じです。

でもこのやり方はすごくいい。自分で企画を立てて撮っていくとどうしても俯瞰（ふかん）でものを見られなくなって、愛着から余計な部分にお金や時間をかけてしまうんですよ。

のめり込んで作った作品は、時間が経ってから見るとよく「あれ？こんなんだったけ？」と（笑）。作っているときは熱がありすぎて全体を見えていないんです。あとシーンを切れなくなって上映時間が長くなったりする。お客さんにとってのベストな時間である2時間を超えてしまうのは本末転倒ですよ。

そうなんですよ。時間とお金を気にしなければマンガ通りにカット割りまで全部一緒にもできるんですけど、それはわざわざ映画でする必要はないですから（笑）。

とくに今回は、かなり割り切って脚本作りをしました。それで今さらながら気づいたのは、脚本を作るときはめちゃくちゃ引いて作品全体を見た方がうまくいくということ。

あと今回は脚本家、プロデューサー、それぞれに意見もあるから、皆の話を聞きつつ、美術さんとも予算について相談しつつ物語を作りました。時間はかかりますけど、これが全員が満足する、誰も不幸にならないやり方なんです。

お客さんに向けて何を伝えたいのかが一番です。エンタメ作品は、笑って泣けて、そしてキャラクターがカッコいいかがすごく大事なので。今回の原作は、結構グロいシーンも多いんですよ。切実でリアルというか……。

最初はそういうシーンがあるから主人公たちは怖くなって元の世界に戻りたいと強く思うようになると考えていましたが、映画にする上で、そこよりも戦国時代の人たちがゾンビのように襲ってくるほうがエンタメとして面白いのでは？ と考えました。その方が若いゲーム世代も楽しめるし、子供のいるような主婦が見てもOKな感じがして。

実は、自分の作品を作る上でひとつのバロメーターにしているのが“我が家のウケ”なんです。かみさんと子供たちの反応を見るというか。子供たちなんて、作品を見ているときの姿勢だけで、このシーンは退屈なのか面白いと思っているのかがすぐ分かるんですよ。なので、家族から「この作品は面白いね」と言われると絶対にいいものにしたい！ という気持ちになりますね。僕の一番のファンでいてくれます。

気をつけているのは、どんなに出番が少なくても絶対に皆に「これに出てよかった」と言ってもらえる若い役者の名刺代わりになるような作品を作ること。

具体的に言うと、“全員を立てる”ということです。正直、全員に数分ずつの見せ場を作るのは難しいですが、ちょっと面白い行動をさせたりキャラをつけるだけで引き立つんですよ。

今回だと科学部の子の役なんてまさしくそうで。本人が「チュッパチャプス食べてもいいですか？」と提案してくれて彼のキャラは決まりました。事前に「自分たちでキャラを作ってきて」と伝えているんですが、今回も皆自分から発信してくれた印象です。これはすごくうれしいし、作品作りをする上ですごく重要。

フェンシング部の成瀬を演じた飯島 寛騎（いいじま ひろき）くんと空手部の相良を演じた福山 翔大（ふくやま しょうだい）くんも会ったときからずっと話し合っていて、二人で役を作っていました。

僕はシーンが終わってもあえてカットをかけないことがあるんですが、そういうときにも常に役としてブレずに演じられるとめちゃくちゃいいシーンになる。

今回は誰ひとり、「どうしますか、監督？」と聞いてくる人はいなかったです。皆が本当に自分たちで考えていて。すごく頼もしかったし、ここから今後の映画界を担う役者がたくさん生まれると思っています。

マッケン（新田 真剣佑）はどんなことでもできるんじゃないかってくらいアクションが上手ですが、今回はそれ以上に心の変化に重点を置いて演じてもらいました。

引っ込み思案だったけど戦国時代でのさまざまな経験によりどんどん成長していって、別のキャラクターになってしまうような役だったので。その心情の変化は自分で計算してもらっています。

僕が元いた株式会社ロボットの後輩に、小泉 徳宏（こいずみ のりひろ）と羽住 英一郎（はすみ えいいちろう）という監督がいて。二人がマッケンと仕事をしていたんです。

それで「小泉が撮った『ちはやふる』シリーズの繊細な綿谷 新（わたや あらた）と、羽住が撮った『OVER DRIVE』のパワフルでアツい檜山 直純（ひやま なおずみ）という両極端の二人をいい感じでつないだ感じにしてほしい」とお願いをしました（笑）。

そんな無茶ぶりもマッケンは快諾していい感じにしてくれて。迷っているときは何度もリハーサルをして、役を見つけるお手伝いをしたりもしましたが、彼は本当に素晴らしかったです。

春馬くんも松山さんも現場ではいろんな話をしました。松山さんには通り一辺倒な信長でなく、松山さんが感じたままの信長でいいとお願いして。で、できたのがあの信長。松山さんらしかったです。

春馬くんは殺陣の稽古をしないでもあの完璧な動きで。当日、現場で殺陣師さんと真剣に打ち合わせをしてすぐにカッコよくできる。さすがですよ。

信長と家康という誰もが知っているキャラクターを二人らしく演じてくれたことは本当にありがたかったです。あと、若手にとって彼らと一緒に芝居をした経験はすごく大きな財産になったんじゃないかな。心構えから学びも多かったと思いますよ。

30年くらい映画監督をやってきて初めて撮ったキスシーンです。これを言うと皆さん驚かれるのですが、エンタメ作品はあまり直接的なキスシーンやベッドシーンはないんですよ。そういう雰囲気になったらカメラがパーンアップして次のシーンに切り替わったりとか。見せなくても想像させる演出をしたりね。

で、今回カメラマンから、どう撮りたい？ と聞かれて、「岩井俊二さんの映画みたいな逆光で柔らかい感じがいい」と伝えました（笑）。ちょっと夢があるというか。まぁできたものは全然違う感じになっていましたが。

でも、このシーンも僕がいない別日に演出部でリハーサルをして稽古をつけてくれていました。現場でこういう風にします、と見せてもらった演技は本当に切なくて、すごく印象深いシーンになっています。あと、その後のシーンを演じた子の演技も素晴らしかった。仲間が亡くなっていく中、生きるために行動して……。

詳しくは言えないのですがあのあたりの行動はすべてアドリブです。彼女が役になりきっていたからこそ生まれた名シーン。本当に素晴らしかったですね。

僕は基本、皆に任せて映画を作っています。「こうしろ！」と言うこともないし、さっき言った役者たちと同じように、皆自分たちで考えてもらっているというか。

カメラマンさん、照明さんたちはもちろんですが、助監督も同じですね。ここの芝居は演出部で作ってくれない？と。任せると皆よく考えてくれるんですよ。

僕はそれをまとめて、いかに流れよく見せるかを考えたり、後処理隊である音響チームや編集マンと現場をつないだりしています。自立したメンバーの集合体でひとつの作品を作るという感覚に近いです。

時代劇っぽい作品を作るときは、大体、遮るものがない石切場のような場所で撮影するんですよ。でも今回はそれをCGでできないかな？ と思い、撮影上の敷地内にセットを組み、映り込みなどはVFXで処理をお願いしています。これはこだわりですね。

あと音響に対しても僕はうるさかった（笑）。これも今さらなんですけど、なんで映画館で映画を見るんだろう？と思い始めて……。その理由のひとつに音響があるんじゃないかな？ と考えたんですよ。

大音量はもちろんですが、今回は低音にこだわっています。テレビでは感じる事ができない低音の魅力というか。劇場で空気が震えるくらいの低音をずっと流していたら、それだけで怖くなると思うんですよ。

コロナ禍のタイミングで編集作業に時間をさけたのですが、徹底的にこの二つにはこだわりました。

プロですから当たり前なんですが任せられるんですよ。ハリウッド映画とかだと分業が普通ですが、その方がより力を出せるのでは？ と思っています。

その分、コミュニケーションを取るのが大事になっていきますが……。全員が“自分が作った作品”と言えるといいなと考えています。

高校を卒業したときに映画に携わりたいなとは思っていました。ちょうど受験するタイミングにバイクで事故って。映画とは全く違う学校を受けようと思っていたのがそれでダメになり、どうせ死ぬなら好きな事をしようと映画学校に入りました。

最初はもちろん監督を目指しましたがあまりにも優秀な人がいっぱいで3日くらいですぐに挫折して、編集マンになりたいなと考えるようになりました。それなのにゼミの先生からは演出部向きと言われて嫌な気持ちになったのは覚えています（笑）。

卒業しても当時、日本映画は低迷期だったので就職先はなかったんですよ。なのでテレビの制作会社に入り、バラエティ番組を作っていました。22、23歳くらいで取材ディレクターをやっていたら、ある日、フジテレビのドラマ班に人がいないから手伝ってと言われて、ドラマの世界に入りました。

当時のフジテレビは深夜でかなり尖ったドラマをたくさん作っていて、皆やりたい放題で無茶苦茶だけどすごく面白かったです。色んな先輩がたくさんいて刺激も多くて。

今思えば、当時はステップアップがすごく早く、25歳くらいでドラマを撮るようになっていましたね。今では考えられませんが。

そのうちにある先輩が「お前、映画撮りたかったんだよな」と言ってくれて初監督作品『7月7日、晴れ』（96年）を撮りました。それ以降ずっと同じことをやっています。フィルムがデジタルになっただけですよ（笑）。

僕の中で、演出ができれば何でもいいやという気持ちがどこかにあって。だから今でもアイドルのコンサートも舞台も映画もやる。演出と名のつくものなら、なんでもいいんですよ。

ちなみに今はアニメーション制作会社に所属していますから（笑）。映画制作会社で実写映画をやっていたときに今の会社のプロデューサーが「現代版の『機動警察パトレイバー』を作りませんか？」と誘ってくれたのがきっかけです。アニメがすごく好きだったし、アニメを作るのもいいなって。

そうしたら「PSYCHO-PASS サイコパス」シリーズ（12年～）が当たりました。その後、劇場版をやったり2.5次元の舞台もやりましたね。この舞台がまた面白い。観客の熱が本当にすごくて、こういう世界があるんだと勉強になりました。そして舞台では映像で培ったテクニックを入れたマッピングを駆使したりして……。

こうやってみると、今までの経験、何ひとつ無駄になっていないんですよ。それって面白い。演出は基本、どんなジャンルでも同じだと思います。そういう意味で、これからも演出家としてスケールアップしていきたいです。

どこに行っても意見を言える人になってください。僕は昔から色んなところで意見を言っているんですよ。例えば先輩たちにカット割りの相談を受けたら、「僕ならヒッチコックの『ロープ』のようにワンカットにして……」とか返していました。もちろん「生意気！」と思われるんですが、それが逆にいいみたいで（笑）。

ただこれには知識も必要です。僕は昔、レンタルビデオでバイトをしていて、1日5本くらい映画を見て勉強していました。お酒飲みにいくくらいなら、家に帰って映画を見たり、自分のための勉強をしたほうがいいですよ。いずれそれが財産になりますから。

それから僕は、映画を見るときはいつも「このカットはどうしてこうするの？」「どうしてこのエンディングなの？」など、必ず質問ができるように見ています。

何かのきっかけでその作品の話になったときにこういう話ができると、きっと皆が自分を認めてくれますから。それがまた自分の自信になっていくと思います。