映画化を念頭に入れて読み始めたのですが、予想もつかない展開とリアルでハードな面が多く、日本の小説にはないものがあり面白いと思いました。ただ同時にどのようにしたらこの小説を日本の映画にできるのか？という疑問も出てきて……。

やはり大きな違いを感じたのは社会のシステム。中国と日本ではかなり違うんですよ。警察のシステムも違うし、貧富の差においての過酷さも違う。競争意識に関しても異なるところだらけでした。だからこそ、どのように脚色をするのかはチャレンジだと感じました。

もちろん日本でまったくないとは言えないですが、日本の社会はどこか病んでいるんですよ。そこはきちんと描きたいと思いました。原作にも社会批判が含まれていますが、本作にも必要かなと。今回、日本社会の矛盾点みたいなところを映画に取り込めた気がします。

また、脚色する段階で気づいたのは、これは戦争ではないかなと。戦争は利己主義からスタートして、相手を倒すとそこから坂道を転がるように、予測不能な連鎖反応が起こって、最終的には勝者も敗者もわからなくなる。舞台となった沖縄は、本土より戦争が近い存在で、いまだに戦争の空気が漂っているところも映画の雰囲気と合っていました。

原作では、きっかけとなった殺人が断崖絶壁の景勝地で行われますが、日本だと人目があってリアルではないんですよ。義父母を連れて行って怪しまれない場所てどこなんだろうと考えました。そこで出てきたのが海、海となると沖縄かなと。

単純に決まったわけではないですが、そこから始めたら、先ほど言った戦争の影のようなものもマッチしていったという感じです。沖縄で撮影に適した崖を探したのですが殺人を許してくれる場所がなかなか見つからなくて困りました（笑）。協力していただけた場所が私有地で、なぜその場所に義父母が来るのか……といろいろ考えて脚本を作っていった感じです。

原作を読んですぐに信頼を置ける港さんにお願いをしました。小説のエッセンスを2時間にするのはすごいプレッシャーだったのか、さすがの港さんも最初は3時間ほどの脚本を上げてきて……。その台本も非常に面白くて、カットするところはまったくない状態でしたが、説明的なところを少しずつカットして現在の形になりました。

たとえば、朝陽と離婚した父親が会ったときに「コーヒー飲めるようになったのか」というセリフだけで時間の経過を表せるので、2人がどれくらい会っていなかったのか、説明ゼリフをカットできたり……。港さんはこのような、何気ないけど意味を含むセリフを捕まえるのがすごく上手なんですよ。

それでも、もう少し説明した方がいいのではないか。と思って相談した部分はありました。たとえば、撮った動画を見て朝陽が「殺人だよ」と言うところです。朝陽がなぜそう思ったのか理由を伝えた方がいいのではないか。と僕は思ったんですよ。2人同時に落ちていないから供述と異なるので殺人と断定できるのですが、ただそれについて伝えようとすると長くなる。そこで、今回は一言「殺人だよ」と言わせています。

今回、クライマックスなどで「マーラーの5番」（交響曲第5番）を使用していますが、最初から台本に書いてあったんですよ。「直感なので変えてもいいですよ」と言われたのですが、調べると作風に大変マッチする。「マーラーの5番」といえば、映画的には『ベニスに死す』（71年）で使用されて有名ですが、その部分は朝陽のデートのシーンで使用したり。セリフだけではなく港さんとだから作られた作品になったと思います。

「悪童たち」だとストレートすぎてちょっとイマイチな感じがして（笑）。“ゴールド・ボーイ”とは東昇と朝陽の両方のことを指しています。かつての黄金少年が現在こうなっている。今の黄金少年はこれからどうなるのか？という。

いろいろなタイトルの可能性があったのですが、“ゴールド・ボーイ”がぴったりでしたし、あらためていいタイトルだと思います。

このジャンルは初めてです。撮っていて、予測不能な物語に引っ張られてどんどん空気が不穏になっていく……というのは初めての感覚でした。もちろん台本もあるんですが、目の前の芝居を予想がつかないように撮っているので、どこか気持ちが焦ってきて落ち着かないんですよ。当然、これでいいと思って撮っているけど、心のどこかで、本当にこれでいいのか？としこりがあるような……。芝居と現実、物語の登場人物たちの芝居合戦、ウソの境界線みたいなものがわからなくなっていく感覚に撮っていて非常にドキドキしました。

如実に台本以上のことを見せてくれた俳優さんたちの力には驚きました。期待はしていましたがここまでやってくれるとは……。見ていてダマされっぱなしでした。

岡田くんは最初、自分が座長のような立ち位置でいなければいけないかと大変気にしていました。主役として彼らの演技を引っ張っていかなければいけないという気持ちはありつつ、彼の中では子どもたちが主役という印象があったようで。僕は自分のことを最優先に、子どもたちのことは引っ張らなくてもいいと伝えました。

子どもたちはオーディションで選ばれて、その後、撮影に入る前まで映像を使ったリハーサルをしていたんです。すべての場面を事前に演じて動画に撮り、本人たちに見せるという。そこで自分たちの演技を客観的に見てもらって……。

実はこれでまでも新人の俳優さんを起用することが多く、みなさんの演技が劇的に変わるのが、次の作品からなんです。おそらく作品をトータルで演じて、その映像を自分で見ることで成長している。ならば、それに近いことをリハーサルの段階でやったら、（撮影時に演技が変わり）いいのではと思い、今回、この形でやらせてもらいました。

リハーサルで芝居を作り、それを現場で大人にぶつける、これがいいんですよ。大人の俳優さんたちは意表をつかれながら、その場で演技を返すという形になっていって……。子どもも大人も演技をぶつける。いわば子どもと大人の戦争を描いたこの作品にはぴったりなやり方だったと思います。

フィルム時代にはできないので、動画が気軽に撮れる近年ならではのやり方だと思います。昔はフィジカルに鍛えていましたが、今はそういう時代でもない。伸ばす土壌を作ってあげることに注力しました。

役になりきっている感じが良かったんじゃないかと思います。お芝居をすることから役になりきるまで実は結構距離があって、なかなか到達できないものですが、彼らはそれがしっかりできていた。現場でも素晴らしい演技をしていました。あらためて、俳優のみなさんは狙い以上、想像以上の演技を見せてくれたと思います。

高校1年生のときに文化祭の出し物としてクラスで映画を撮ったんです。それまで映画なんて撮ったことはありませんでした。1年上の先輩が映画を出し物にすると盛りあがると言っていたのを聞いて、「映画を作る！」って頭がいっぱいになっちゃって（笑）。で、文化祭の前日に完成した作品を見たら、「僕には映画を作る才能がある！」と思えた。そして、そこから映画監督になりたいと思うようになりました。よく映画監督が「ある作品を観たのがきっかけです」と言ったりしますが、僕は自分の映画を観たのがきっかけなんです。

最初に作ろうとしていたイメージと完成した作品がそこまで違っていなかったからだと思います。絵コンテを描いたりしながら作ったのですが、ある程度自分の思い描いたとおりに形になって。その前には漫画を描いて投稿したりしていたんですよ。でもそれはまったくダメで…。それでどこか自分には才能がある、映画監督になれると思ったのだと思います。

怪獣映画は子どものころ好きでしたが、高校のころはリアルな青春映画が好きでしたね。怪獣映画に注目をしたのは監督になってからです。日本から世界に通用する映画は何だろう？と考えたときに出てきたのは怪獣映画で。今考えると正しかったですね。そういう時代になりましたから。

僕は何でもやりたいんですよ。とはいえ年齢的に、どんどん新しいことをやっていくという感じにはならないかもしれないですが。

今回描いた家を乗っ取るような犯罪は日本では結構珍しいらしいです。戦国時代だと斎藤道三とか結構いたのですが…。日本ではあまりない発想を映画にすることで、海外にも通じる作品にしたいという気持ちはありました。

社会のさまざまな現象を知ったり感じたりすることや他の監督の映画を観るといった、外部の人たちと触れることを心がけています。同時に自分を見つめることも大事かなと。自分を見つめるために他の人の作品を観ているのかもしれないです。